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Madrid. España. Con una gran exposición retrospectiva en el Museo Centro de Arte Reina Sofía, en el 2003, se celebraron los 50 años de trabajo artístico de Luis Feito (Madrid, 1929), condensados en unas 200 obras, agrupadas casi en partes iguales entre pintura y obra en papel. Feito es no sólo uno de los miembros del histórico grupo El Paso, responsable de la restauración del prestigio internacional del arte de vanguardia español tras la guerra civil, sino también uno de los pocos artistas que ha logrado sobrevivir, subjetiva y objetivamente, a esta transición. Premio David Bright en la XXX Bienal de Venecia, Premio de la Primera Bienal de Arte Mediterráneo, en Alejandría; Premio de la UMAM, en la primera Bienal de París; Premio al Mejor Artista, Feria de Arte de Osaka, Japón; Premio Nacional de Arte, España; Premio Tomás Francisco Prieto de grabado, Madrid; Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, Madrid; Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid. Entre sus múltiples exposiciones destacan: Museo de Hamburgo, 1964; Museo de La Chaux-de-Fonds, Suiza, 1966; XXXI Bienal de Venecia, 1968; Museo de Arte Moderno de Quebec, Canadá, 1969;  Galería Antonio Prates, Lisboa, 1996 y 2001; Galería Boulakia, París, 1996; Museo Reina Sofía, Madrid, 2003, entre muchas otras. Feito lleva medio siglo de producción artística ininterrumpida, que ha abarcado todos los materiales, géneros, técnicas y, por supuesto, maneras posibles de entender y apreciar el arte, puesto que una de sus características ha sido la experimentación y la reflexión. [MAM]

MAM En su exposición del Museo Reina Sofía y que posteriormente viaje por diversos países de Europa y América, se reunieron cinco décadas de trabajo que abarcaban varias etapas de creación pictórica, ¿qué siente cuando termina una etapa, qué cuando comienza otra?

LF Al término, una sensación de vacío. Una gran angustia. Siempre es el mismo pánico, ante el quedarse corto o llegar a donde piensas no poder llegar. Pero son sensaciones que terminas teniendo controladas. La experiencia te dice que si llevas 40 y tantos años con esa angustia, pero siempre pintando, es que la cosa no tiene remedio. Por otra parte, cuando comienzo algo nuevo siento un pánico previo; en esos momentos me duele todo, me siento fatal. La víspera de la vuelta no tengo que pensar en nada, pero cuando ya me meto de lleno en la pintura es pura manifestación, y todas las crisis desaparecen.

MAM ¿Qué trata de decir plásticamente cada etapa de su vida artística?

LF Creo que la pintura no tiene nada que decir, sino solamente existir. La pintura ha de ser ella misma, no como ilustración de algo. Viene de alguna parte, va hacia algún lugar, pero lo que importa es su cualidad de presencia, la inmanencia del ser.

MAM ¿Cree que en esa “evolución” intelectual hay algún tipo de novedad en su lenguaje?

LF Rotundamente, no. La pintura no la concibo como una carrera de novedades, ni como un laboratorio de investigación, sino como algo clásico, consecuencia de toda una cadena de acontecimientos anteriores. No me interesa que una obra sea “avanzada” o no, el único criterio válido es la presencia. No tiene la menor importancia que un cuadro sea abstracto o figurativo, sino que diga algo o no diga nada, que tenga dimensión.

MAM ¿En lo que menciona se puede encontrar una cierta lógica. ¿Cuál es la suya?

LF Se trata de hacer compatible lo incompatible, nada es una cosa. La vida son muchas cosas; no es la sombra o la luz, es todo. Es como el individuo que es una cosa y otra, y otra, y aún más. La pintura es el color, la vibración del color, la intensidad de las masas en relación, armonizado o provocándose. Rothko es el más puro, el que más me interesa, porque no hay formas, porque te capta y te mete dentro de su cadencia, de su misticismo deslumbrante, sin que tengas que agarrarte a nada, que no sea su espiritualidad. Para mí, esa es una lógica de trabajo, y es lo que el espectador encuentra en mi obra de todas las épocas.

MAM Cuando en la Bienal de Venecia de 1960, se le concede el Premio David Brinht, la crítica internacional se desborda ante sus trabajos. A partir de entonces, ¿cómo cambio el curso de su obra?

LF Si eres un verdadero creador, vas con el fuego sagrado dentro. Todo ayuda, nada cambia. Yo era muy consciente de que aquello no era normal, porque, en mi formación, había vivido junto a pintores muy importantes y sabía que, si llegaba a sobrevivir, a los 50 o los 60 años llegaría, si acaso, la consagración. Cosa que yo, con 30 o más joven, me di cuenta de que eso no podía durar, que era el producto de una euforía. Si pensabas un poco, te dabas cuenta de que esa ola un día u otro pasaría. Lo importante era seguir en mi trabajo, seguir con los pies en la tierra.

MAM En su obra hay un claro reflejo del universo zen. Para muchos el sentimiento japonés del vacío, la contemplación del blanco, la poesía, la musicalidad, son elementos primordiales, ¿cómo poder expresar en un cuadro todo este proceso de experiencias?

LF De una manera muy simple. Es ese intento de trabajar del modo más directo posible; es decir, que lo que tienes que decir salga de tu interior, sin intervención intelectual. No de todos los estratos sociológicos, culturales, que hay en tu inteligencia, sino de lo que llamamos el lado espiritual. Por eso yo pinto de una cierta manera. Primeramente, pinto por el suelo, y no para que la materia no se caiga, sino porque al estar en determinada posición no veo la totalidad del cuadro; luego no tengo la tentación de que intelectualmente , al ver el cuadro, me diga que aquí tengo que poner esto para estar equilibrado, ,mejor compuesto. Lo que hago es hacer lo que tengo ganas de hacer en el cuadro, directamente, sin ver el resultado. Me sirva o no me sirva, no hay posibilidad de retoque. El cuadro está hecho. Mis cuadros de esas épocas (la blanca, la roja, la negra) están hechos en sesiones, se empiezan y se acaban en una sesión.

MAM En sus cuadros parece existir un combate de fuerzas que usted crea pero también destruye. El uso del blanco y del negro es un buen ejemplo, ¿cree que es una tensión constante consigo mismo?

LF Sí, siempre hay una dualidad, una tensión, un combate, porque somos una contradicción constante. En mis cuadros, de una manera u otra, a veces hay tendencias que ganan. Siempre existe ese conflicto, y evoluciono con la revelación de ese conflicto. En momentos, en ese combate, hay tendencias que se imponen, como me ha ocurrido hace algunos años con la geometría: el borde de la línea, esa depuración, es la que ha ganado y el gesto ha desaparecido. Me he esforzado en ese camino. Luego, cuando esa etapa se ha agotado, me voy a lo contrario, y vuelve a salir todo la pintura gestual, la geometría ha quedado como una forma fuera más del cuadro, ha salido el mundo anárquico, el caos que está siempre debajo.

MAM ¿Considera que la descripción evoca la pintura de acción?

LF Sí, ya en los años cincuenta precedía así. Ya entonces echaba la pasta, y las tierras cuando utilizaba tierras, y hacía la mezcla sobre el mismo cuadro. Nunca he utilizado paletas.

MAM ¿Qué papel juega en su obra el automatismo?

LF Un papel clave. El primer momento es absolutamente automático. Un auténtico guarreo. Generalmente soy inconsistente de lo que hago entonces. Pero no hay que olvidar los pasos previos. La realización del cuadro hay que insistir sobre ello, es el último estadio de un proceso, y ese proceso es tan importante o más que el cuadro en sí.

MAM Hablamos de la pintura de acción. En la distancia, ¿cómo ve aquel momento del arte americano, que tanta importancia tuvo para usted y otros artistas de su generación?

LF Posiblemente me haya quedado ahí. Esa época sigue siendo completamente vital. Lo que hizo Rothko es un horizonte difícil de superar. Rothko nunca me ha decepcionado, ni su realización, ni su mentalidad, ni su óptica de la pintura. Esteban Vicente, Sam Francis, Newman y gente así; sigo creyendo que después no ha surgido nada más importante. Después se produjo la llegada al arte del mundo de las modas. El tiempo ha fijado todo eso. No lo ha erosionado, sino todo lo contrario. En esa época lo veíamos todo a mano, estaba demasiado cerca, y no le dábamos la importancia que tenía realmente.

MAM Menciona las idea de que se a “quedado”, ¿cree que de ahí surge una cierta intemporalidad de su concepción del arte?

LF Lo manejo para decir que no me interesan las modas artísticas. El arte actual es cuestión de un acontecimiento mediático. Punto. La clave de lo que se habla y se dice es el acontecimiento mediático; si no, no existe.